la linterna mágica

Shame (2011), Steve McQueen

2012-02-24T16:12:00.005+01:00

Brandon es un adicto al sexo. Alguien enfermo que necesita saciar sus pulsiones sexuales a cualquier hora, en cualquier lugar. Lleva a una vida triste y mecanizada en la que únicamente es capaz de combinar, de forma casi tediosa, sexo y trabajo. Su hermana lo visita y se instala en su piso en busca de ayuda, del cariño necesario para huir de la depresión. Pero en lugar de encontrar sosiego el uno en el otro, siguen siendo dos personas que se acercan peligrosamente al abismo.

Una de las virtudes de Shame es que consigue focalizar con pasmosa facilidad un mal sufrido por la sociedad actual. Se centra en una de las facetas más desgarradoras de nuestro mundo consumista, la búsqueda de la satisfacción sin fin, de la consecución continua del deseo. Situación que llevada al límite es capaz de rebasar la propia condición de saciedad, desembocando en una situación de vacío, de existencia insustancial y aislamiento.

Otra virtud es que se trata de una película de esas que tiene sello, propias del cine de autor. El prometedor cineasta británico Steve McQueen ya consiguió hacerse con la Cámara de Oro de Un Certain Regard en el Festival de Cannes y el BAFTA a la mejor película con su ópera prima, el contundente drama carcelario Hunger (2008). Tres años después, Shame funciona como un auténtico panfleto cinematográfico, como una declaración de intenciones. McQueen revoluciona la puesta en escena, crea un entorno abstracto, un fondo casi neutro en el que se desarrolla una escena donde literalmente se retratan los cuerpos. Como él mismo dice, trata de descubrir el espacio tanteándolo a través de la cámara como si lo atravesara a oscuras. Utilizando el tacto, el olfato, el oído… y es entonces donde aparece el cuerpo, el desnudo y su pulsión. Por lo que no es extraño que obtenga un resultado estético que entraña mucho de la fotografía de Robert Mapplethorpe. Hay escenas del film en las que McQueen concibe el plano como un ente puramente artístico, donde pierde fuerza el fondo, la profundidad del cuadro, en beneficio de unos personajes que se mueven de manera coreográfica. A través de ellos la escena transcurre sin cortes y sin prisas, utilizando más los gestos que las palabras.

Expresada paradójicamente a través de la carencia de exteriores, mediante la soledad del metro y las oficinas situadas en rascacielos, en ocasiones la inmensidad de la ciudad de Nueva York parece absorber a los protagonistas. Se consolidan un asombroso Michael Fassbender (que se ha llevado ya unos cuantos premios por esta interpretación) y una excelente Carey Mulligan. Queda para el recuerdo la preciosa escena en la que Sissy (Mulligan) interpreta una triste versión de “New York, New York” en un local ante Brandon (Fassbender) y su jefe. El espectador puede sentir como a través de la canción hay más comunicación entre los dos protagonistas que mediante las conversaciones que tienen a lo largo de la película.

Fassbender consigue contrariar al espectador. Por un lado lo conmueve, sea por lástima o por sus muchos atractivos. Por otro, llega a ser sumamente desagradable, aunque no de la forma tan extrema como el personaje interpretado por Isabelle Huppert en La pianista (Michael Haneke, 2001). Porque en su condición de ser una especie de galán irresistible, este actor británico te arrastra con él hacia el abismo consiguiendo que llegues a sentir grima.

Permitiendo algún pequeño desliz y algún giro del guión que ya ha llevado a cierta polémica por posibles interpretaciones sexistas (exageradas), Shame es una película muy completa. Cruda, descarnada, controvertida y visualmente abrumadora. De lo mejor que ha llegado a nuestras pantallas en el último año.

J. Edgar (2011), Clint Eastwood

2012-02-18T14:15:00.004+01:00

Que la interpretación y el físico de los actores es el elemento principal del cine no es algo nuevo. Porque por muy buenos que sean los medios, si los actores no son creíbles, la película se desmorona. En J. Edgar las interpretaciones son excelentes, pero a pesar de todo, cuesta creerse físicamente a los protagonistas. Como se ha venido diciendo desde su estreno, el maquillaje no consigue transformar al completo a los personajes. Algo casi imposible, si tenemos en cuenta que los vemos envejecer cincuenta años.

Por lo demás, J. Edgar es otro producto marca de la casa. Lo último de Clint Eastwood, uno de los grandes monstruos cinematográficos de Hollywood. Dejando pues al margen la posibilidad de haber utilizado a otros actores para interpretar la vejez de los protagonistas, la película resume el carácter esencial del cine del director de Gran Torino (2008). Conserva su gusto por la narración precisa, por el carácter pictórico de los planos, el interés por adentrarse en momentos clave de la historia de su país. Porque el cine de Eastwood nos ha contado ni más ni menos que la historia del último siglo. Algunos de sus mejores títulos lo reflejan: Sin Perdón (la antesala del capitalismo); El Intercambio (la Gran Depresión); Cartas desde Iwo Jima (Segunda Guera Mundial); Cazador blanco, corazón negro (los cincuenta), Los puentes de Madison (los sesenta), Un mundo perfecto (los setenta); El sargento de hierro (los ochenta); Poder absoluto (los noventa) y Million Dollar Baby (el inicio del s. XXI).

En esta ocasión el cineasta norteamericano nos presenta un biopic sobre la vida de J. Edgar Hoover. Narrado hábilmente de forma no lineal, con un punto de vista claro y omnipresente, que no es otro que el del propio Hoover. El director del Federal Bureau of Investigation (FBI) toma la palabra para retratarse a sí mismo, para que veamos a través de sus memorias la clase de hombre que fue y cómo quería que se le recordara. Sin embargo, y sobre todo a medida que va avanzando la película, es Eastwood quien le toma el testigo al tirano, para mostrarnos su lado más humano, su faceta más desconocida. De tal manera que surge la contradicción pura, el contraste entre el ser idealizado y el hombre de a pie. Se desnuda al mito para mostrar su patetismo, las facetas más ocultas de su carácter, contrapuestas a su imagen pública.

J. Edgar Hoover dedicó su vida de forma fanática, a la persecución de la amenaza antiamericana. Protagonista de la caza de brujas, estuvo al frente del servicio de inteligencia americano durante 48 años. Actuando casi con total impunidad, tomando la ley por su mano cuando lo creía necesario. Anticomunista, racista y antisemita, Hoover sobrevivió al mandado de ocho presidentes (Coolidge, H. Hoover, Roosevelt, Truman, Eisenhower, Kennedy, Johnson y Nixon). Y es que algunos de ellos intentaron destituirle, y si no lo consiguieron, fue principalmente por miedo a que se descubrieran sus secretos. Porque Hoover tenía investigado incluso al más poderoso de ellos. Nunca se sabía que carta podía tener en la manga, por eso todos lo temían.

Aunque es excelente describiendo los acontecimientos políticos, Eastwood no vuelca en ellos mayor parte de su interés. Le interesa más el Hoover que, creyéndose superior a sus congéneres, sufría ansiedad y dificultad en el habla; el hombre que vivió con su madre durante casi toda su vida y no se atrevió a reconocer su homosexualidad. La película acaba siendo más que una trama política, una historia de amor contenida.

Eva (2011), Kike Maíllo

2012-02-10T18:49:00.004+01:00

Eva nos presenta una historia futurista y llena de suspense, que gira en torno a un triángulo amoroso. Una película de género arriesgada y diferente en una cinematografía española, donde es escaso el cine de ciencia ficción. De momento 12 nominaciones a los Goya la respaldan.

El film se sitúa en un paisaje gélido, asolado por la nieve. Un lugar donde, en el año 2041, el ser humano es capaz de crear robots a su imagen y semejanza. Para trasladarnos a este ambiente futurista, se entremezcla la reproducción de la estética de los años 70 con la utilización de unos efectos especiales notables. Los coches, los interiores o la forma de vestir de esa época conviven con la inteligencia artificial. Algo que aunque resulta un poco extraño al principio, acaba dando buen resultado.

El punto de partida de la trama es el retorno a la ciudad del protagonista del film, Álex (Daniel Brühl). Lo cual cierra un triángulo amoroso formado por su hermano (Alberto Ammann) y la mujer de éste (Marta Etura) en el que participa un factor externo: Eva. Álex vuelve a la ciudad donde se creció con el cometido de retomar una investigación sobre la robótica emocional aplicada a niños robots. Pero en el fondo esa es sólo la excusa, porque hay otros motivos que lo empujan a volver.

A través de unas localizaciones muy bien elegidas y una fotografía muy bien ejecutada, el espectador siente los sentimientos de nostalgia y tristeza que le producen al protagonista el entorno en el que de nuevo se encuentra. La labor de la producción artística es encomiable, porque el fondo de la escena transmite los sentimientos del protagonista tanto como su propia interpretación.

Con la primera secuencia de la película, Maíllo ya nos presenta ese angosto y duro paisaje. Nos muestra aquello que ni siquiera el ser humano es capaz de contener: la naturaleza. Y para ello utiliza uno de los más preciados recursos utilizados por el maestro del suspense, Alfred Hitchcock. Mediante un flash forward nos enseña en la secuencia inicial, el que será prácticamente el desenlace de la película. Una forma maravillosa de encarar la trama dejándonos ver, cuando aún no conocemos nada de la misma, cuál será su detonante.

No sería nada descabellado que Eva se llevara unos cuantos premios el próximo 19 de febrero. Aunque lo tenga difícil en candidaturas como mejor guión original, mejor dirección de fotografía, mejor actor principal o mejor actor de reparto, al menos los premios a los mejores efectos especiales y mejor director novel serían más que merecidos.

Drive (2011), Nicolas Winding Refn

2012-02-10T18:35:00.007+01:00

Basada en la novela homónima de James Sallis, Drive significa la primera incursión en el cine norteamericano del danés Nicolas Winding Refn. Un cineasta que aunque ha realizado ocho películas, ha sido hasta el momento un desconocido en las pantallas de nuestro país.

Ryan Gosling encarna a un conductor especialista en películas de acción. Un personaje sin nombre, que siempre lleva una chaqueta con un escorpión bordado en la espalda. Un hombre que explota su pericia al volante conduciendo esporádicamente para ladrones. Alguien reservado, casi inexpresivo y con cierto aire nostálgico y decadente, que pronto se enamora de su vecina. Un hombre ambiguo, que deja correr la vida, cuyo destino parece estar escrito. Capaz de representar el más puro romanticismo y la más descarnada violencia. Algo que Ryan Gosling, uno de los chicos de moda de Hollywood este año (Crazy, stupid, love , de Ficarra y Requa y Los idus de mayo, de George Clooney), consigue transmitir a la perfección.

Drive es una película que te atrapa de principio a fin. Deudora del film de Walter Hill Driver (1978), las referencias al buen thriller de acción y al cine negro americano se mantienen durante toda la película. Con diálogos escuetos y una estética ochentera, sus imágenes estilizadas hablan por sí solas. Son la más pura expresión de la soledad y el deterioro de unos personajes que se mueven hacia un desenlace que parece inevitable, al que sin embargo permanecemos absolutamente enganchados. En algunos momentos, las escenas parecen arrastrarnos hacia la atmósfera desoladora de la pintura de Hopper.

Además, la película de Widing Refn ha sido una de las más gratas sorpresas del último Festival de Cannes, donde se llevó el premio a la mejor dirección. La maestría con la que está rodada desde la primera secuencia, da cuenta de ello. La presentación del personaje y la estética, la síntesis de lo que serán las persecuciones en el resto de la película, la entrada de la banda sonora, cómo los personajes van cayendo en las redes de la mafia...

En esta película el realizador danés es capaz de rodar las más brillantes escenas de persecución con una sobriedad absoluta y sin alardear de efectismos. Utilizando un realismo crudo y de lo más duro (sobre todo en algunas escenas de violencia explícita), es capaz sin embargo, de dejar algún que otro momento memorable al más puro romanticismo poético.

Aunque ha sido poco valorada en las nominaciones a los Oscar, en las que opta únicamente a mejor montaje de sonido, lo cierto es que Drive supone una de las mejores producciones de 2011, al menos en lo que al cine de género se refiere.

El gato desaparece (2011), Carlos Sorín

2012-02-05T13:42:00.004+01:00

El gato desaparece supone un cambio en la carrera del realizador argentino Carlos Sorín, que abandona la Patagonia y su peculiar manera de entender la ficción cinematográfica para rodar en Buenos Aires y hacer cine de género.

El director de Historias mínimas (2002) siempre ha tenido un estilo muy característico que le ha situado como uno de los principales cineastas del cine argentino actual. Desde La película del rey (1986) a Bombón, el perro (2004), la Patagonia y la carretera son en su cine un personaje más. El gusto por la anécdota o su forma de entender la ficción a través de algunos elementos del documental, son otras marcas de la casa. Porque suele trabajar con actores no profesionales, con esbozos de guión, rodando situaciones espontáneas, dejándose llevar por los acontecimientos del rodaje.

Sin embargo, con El gato desaparece apuesta por el cine de género, en concreto por el suspense. Y para ello, retoma algunos aspectos a los que ya se acercaba en sus dos anteriores películas. Para empezar, localiza la película en Buenos Aires. Tal y como ocurría en El camino de San Diego (2006), donde el protagonista emprende un casi patético y largo camino hacia la capital de Argentina en busca de su ídolo Diego Armando Maradona. Lo cual nos muestra además al personaje típico de Sorín: el perdedor. Y con él otro pilar del cine del argentino: siempre intenta mostrar la ambición y la alegría con la que enfrentan la vida aquellos que tienen muy poco.

El gato desaparece se abre de forma original e irónica, quiénes son los personajes y por qué se encuentran en esta situación. Esto es, que nos presenta aquello que debemos saber sobre el matrimonio protagonista, pero sin mostrárnoslo todavía físicamente. Luís ha sufrido un brote psicótico violento que le ha mantenido internado durante un tiempo. Su mujer Beatriz, celebra que pueda al fin volver a casa siguiendo un tratamiento temporal. Sin embargo, no puede evitar pensar en la posibilidad de que vuelva a ocurrir algo parecido.

Con ese punto de partida, Sorín articula un thriller que transcurre principalmente en un mismo espacio cerrado, donde la puesta en escena juega un rol fundamental (como ya sucedía en La ventana, 2008). Y donde consigue mantener en todo momento el suspense, alargando algunas escenas hasta el momento exacto, dotando de la pausa necesaria las acciones de sus personajes.

Aunque El gato desaparece suponga un giro en la carrera del realizador argentino, lo cierto es que continúa filmando con la misma sobriedad. Sus personajes son en el fondo los de siempre. Sencillos, naturales, espontáneos. Porque Sorín continúa mostrando una de sus mayores virtudes, contar mucho con muy poco.

Los descendientes (2011), Alexander Payne

2012-01-27T14:39:00.005+01:00

Los descendientes narra la historia de una familia que queda destrozada por el grave accidente de la madre, que queda en coma. Ante tan dramática situación, su marido Matt (George Clooney) debe salir adelante con sus dos hijas, con las que no está habituado a lidiar. Además, se topa con otros problemas no menos complicados. Es el administrador de un extenso terreno del que son copropietarios sus primos, quienes lo presionan a venderlo.

En un Hawai totalmente desmitificado, donde existe una especulación urbanística voraz, Matt debe volver a tomar las riendas de su vida. Porque en el paraíso del surf no todo es diversión y turismo.

El realizador norteamericano Alexander Payne se interesa de nuevo por la temática que recorre toda su filmografía: el ser humano y las vicisitudes a las que éste debe enfrentarse. En sus películas no hay héroes, la gente se equivoca, empieza de nuevo, afronta con mayor o menor éxito sus miedos. Sus personajes no son otra cosa que personas de carne y hueso. Y en ocasiones, incluso caricaturas de sí mismos.

Así ocurría con los protagonistas de Election (1999), notable sátira realizada al más puro estilo del Wes Anderson de La Academia Rushmore (1998) o Los Tenenbaums (2001). Aunque los problemas con los que se topan los protagonistas de Los descendientes y cómo los enfrentan, muestran un trasfondo más serio. En la línea de los que sufren Warren Schmidt en A propósito de Schmidt (2002) o Miles y Jack en Entre copas (2004). Sus personajes siempre se encuentran ante la posibilidad de equivocarse, y de hecho suelen hacerlo. Sufren hasta que consiguen enderezar su camino.

A simple vista puede interpretarse Los descendientes como un drama en mayúsculas, pero en el fondo lucha por no serlo. Y es que la forma en que Payne enfrenta sentimientos opuestos para evadir el dramatismo es excelente. Para ello, sus actores lo respaldan. Sobre todo un convincente George Clooney, que se llevó hace apenas unos días el galardón al mejor actor de drama en los Globos de Oro.

El realizador norteamericano contrapone momentos en que afloraría el llanto, con pequeños chispazos de humor e incluso de absurdo. Porque uno se encuentra ante el drama como ante la vida misma, en la que sin saber por qué, en momentos tan duros se es capaz de sonreír por la más absurda tontería, se esté en la habitación de un hospital o en un tanatorio.

No obstante, la película, que cuenta con cinco nominaciones a los Oscar, también tiene puntos flacos. Payne ha sido galardonado por sus guiones anteriores, pero en Los descendientes el resultado no es tan bueno. Aunque sigue el manual a rajatabla, abusa de los tópicos y algunos giros resultan pesados. Hay momentos del metraje que se acercan peligrosamente al telefilm, tanto que en ocasiones el espectador no sabe si está en el cine o en un sofá a las cuatro de la tarde. Aunque por suerte no llega a rebasar esa frontera, después de la primera media hora de metraje, la evolución de la trama se ve venir.

En conjunto, Los descendientes es una película destacable, pero desde luego, que se haya hecho con el galardón a la mejor película de drama en los Globos de Oro es exagerado y sólo puede indicar dos cosas: o que el jurado ha tenido poco criterio o que la calidad del cine mainstream de este año es baja.

Muere Theo Angelopoulos (1935-2012)

2012-01-25T14:21:00.005+01:00

Nos deja uno de los grandes cineastas europeos, de la forma más inesperada, arrollado por una motocicleta. Palma de Oro en Cannes en 1998 por La eternidad y un día, nos deja un maestro que a los 76 años había realizado cerca de una veintena de películas con una sobriedad y un nivel intelectual sin parangón. Porque Theo Angelopoulos era sobre todo un autor, un sello, una forma de entender el cine y de entenderse únicamente fiel a sí mismo. Era el cineasta del plano secuencia, de la pausa, de la contemplación, de la poesía. Pero también el cineasta de la nostalgia, del exilio, de la frontera, del conflicto bélico, de la niebla y la atmósfera gris.

Toda su filmografía es un viaje. Un viaje a través de la historia de su país y de la historia de Europa. Angelopoulos nos ha dejado decenas de imágenes que pasarán a la historia del cine. Imágenes de películas deliciosas como La eternidad y un día, El viaje de los comediantes o La mirada de Ulises. Este cineasta griego era un artista delante y detrás de la cámara, porque entendía el cine como una responsabilidad. Como una forma de entender la vida, como una forma de entregarse a ella.

In time (2011), Andrew Niccol

2012-01-23T18:45:00.005+01:00

In time es una película de esas que te ilusiona durante los primeros minutos. Uno tiene la impresión de que tal vez esté ante un nuevo producto de ciencia ficción de calidad, tal vez ante una nueva Hijos de los hombres (Alonso Cuarón, 2006) o Minority Report (Steven Spielberg, 2002). Pero no es así, ni por asomo.

La trama se presenta inquietante y prometedora. En el futuro, la humanidad trabaja literalmente por su vida. Se cobra el trabajo en minutos, de tal manera que el tiempo forma parte del código genético, y a partir de los 25 años, quien no suma minutos de vida, muere. Así se forma una distinción entre clases sociales insalvable. Los ricos pueden llegar a ser inmortales, mientras que el pueblo llano se levanta cada día con la incertidumbre de logar mantenerse en vida para terminarlo.

Se nos presenta al personaje protagonista, se le define y muestra el entorno futurista y hostil en el que vive. En principio la trama parece poder abrirse en diversas direcciones, pero el momento un tanto absurdo que marca la reacción del personaje protagonista, le pone freno a la imaginación. Es entonces cuando uno vuelve a la realidad y se observa a sí mismo viendo una película que nada tiene de nuevo.

El guión comienza a mostrar sus enormes lagunas y los lances de la trama devienen totalmente insípidos y previsibles. Sobre todo después de que la pareja protagonista se una y comience una aventura que referencia a Bonny & Clyde (Arthur Penn, 1967). Niccol saca sus artefactos y los pone en marcha. Para ello, respeta los tiempos y consigue darle el arranque y el parón a la acción en el momento necesario para captar al espectador, siguiendo las pautas del cine de acción de forma metódica. El problema es que no termina de impresionar y el resultado se queda en un producto comercial más, que entretiene sólo hasta cierto punto.

Por otro lado, aunque no ahonda en su aspecto más crítico, nos queda algo a destacar en esta película del creador de Gattaca (1997). El eje central de la película es la lucha del protagonista contra un sistema impenetrable, corrupto y controlador que oprime a la gran mayoría de las personas que habitan en ese mundo del futuro. Emprende una lucha contra el sistema de mercado, que en el fondo guarda mucha relación con el momento histórico de recesión económica que vivimos. El mensaje esta ahí, encubierto, en una película con una taquilla importante y repercusión mediática a nivel mundial.

Un dios salvaje (2011), Roman Polanski

2012-01-20T11:34:00.012+01:00

Un dios salvaje es una película basada en la obra teatral Carnage, de Yasmina Reza, en la que dos matrimonios de clase media-alta se citan para hablar y solucionar la riña que tuvieron sus hijos. La acción se sitúa en un único escenario, el piso de una de las dos parejas. Lugar de encuentro y diálogo, a través del cual se articula una lúcida crítica hacia ciertos valores burgueses, en la que se advierten las señas del maestro Luís Buñuel.

En El Ángel exterminador (Buñuel, 1962), un grupo de burgueses invitados a una ostentosa fiesta, quedan absortos al observar cómo, misteriosamente y en contra de su voluntad, no son capaces de salir del salón en el que se encuentran. Tras pasar la noche y advertir que nadie se ha retirado a descansar a su hogar, el doctor le dice intrigado al anfitrión: “Aunque algunos de nosotros lo hemos intentado, no hemos conseguido salir de esta habitación, ¿Qué está sucediendo aquí, Aranda?” En Un dios salvaje se repite varias veces prácticamente la misma frase, en otro orden. Una de las dos parejas protagonistas, expresa desde el principio su deseo de abandonar la casa, pero no lo consigue. Y es que primero las presentaciones y las formalidades, como más adelante las discusiones, les arrastran a quedarse.

Es ahí donde la película empieza a descubrir al lobo que se viste de cordero. Una mujer que vomita sobre un puñado de libros de arte de gran valor, un hombre que muestra el desprecio antes encubierto hacia su mujer, un teléfono móvil que no deja de sonar… Polanski y Reza exponen un extenso catálogo sobre las vanidades y los valores cuestionables de la sociedad occidental. La ironía y el sarcasmo se apoderan de la pantalla y entonces aflora con más fuerza todavía el cine de Buñuel. Se dan situaciones, reacciones y conclusiones que bien podrían estar sacadas de El discreto encanto de la burguesía (1972).

Responsable de obras únicas como La semilla del diablo (1968) o El pianista (2002), Polanski vuelve a reivindicar su condición de narrador nato. Aunque la película parece hecha con muy poco, es fruto de un aparato enorme que funciona como un reloj. La fantástica puesta en escena, la facilidad para crear una atmósfera de tensión y sarcasmo, la dirección de actores y la brillante interpretación de éstos, dan muestra de ello. Sin embargo, el texto de la obra teatral es tan potente que no llegamos a distinguir con certeza el estilismo del cineasta. No estamos ni mucho menos ante una de las grandes obras de Polanski, pero ésta supone sin duda un soplo de aire fresco dentro de una cartelera comercial demasiado atrofiada.

La piel que habito (2011), Pedro Almodóvar

2012-01-13T11:11:00.004+01:00

Que una película se postule como candidata a ganadora, con 16 nominaciones, en los premios Goya, no es poco. Cuestiones a parte sobre la coherencia de las nominaciones en nuestros premios mainstream, lo cierto es que a pesar del gran número de críticas negativas que ha recibido La piel que habito, únicamente unas pocas pueden justificarse.

El director manchego aboga en esta ocasión por contar una historia con cierto talante terrorífico y carácter de thriller realizando una versión personal de la novela “Tarántula”, de Thierry Jaquet. Antonio Banderas interpreta a un cirujano plástico perturbado que tiene montado un laboratorio en su casa en el que desafía los límites lógicos de la ciencia, obsesionado tras la pérdida de su mujer. La temática de la película (y su estética), bien podría ser la de una película de terror clásico, desde Frankenstein a Los ojos sin rostro.

Sin embargo, hay momentos del metraje tan estilizados que acercan al espectador a la risa, como la aparición de un ladrón disfrazado de tigre interpretado de forma bastante desafortunada, o en el desenlace final del film. Pero ¿acaso no hay mucho de esto en toda la filmografía de Almodóvar? No obstante, del film emana una atmósfera inquietante e impenetrable que lo gobierna de principio a fin. De la cual son principalmente responsables una estética brillante, perturbadora, y una nueva banda sonora de Alberto Iglesias (marca de la casa) genial y absolutamente absorbente.

El director manchego da en cierta forma un paso de madurez tocando géneros a los que poco se había acercado. Y no se cierra al hacerlo, porque Almodóvar siempre será Almodóvar. Comentarios sobre un lubricante, un personaje irreal disfrazado de tigre, el parentesco forzado entre éste y el doctor, el propio enrevesamiento extremo de los lazos entre los personajes que componen la trama… son todos ellos elementos puramente almodovarianos que bien podríamos relacionar con otras producciones de su filmografía.

Por otro lado, algunos críticos cuestionaron la interpretación de Banderas por sobre actuada (entre los que me incluía después de ver el tráiler). Cierto es que en ocasiones riza un tanto el rizo, pero no olvidemos que Almodóvar siempre lleva al límite de expresión a sus personajes y que el actor malagueño interpreta a un doctor profundamente perturbado, marcado por dos graves pérdidas. Banderas hace en conjunto un trabajo muy serio y aunque lo tiene difícil, no descarto que gane el premio al mejor actor en los Goya de este año.

La piel que habito baraja los elementos del cine de género de terror y thriller con los propios de un autor claramente reconocible, distinto y personal, dentro y fuera de nuestras fronteras. La investigación en nuevos terrenos fílmicos que supone su película puede causar mayor o menor fervor entre los seguidores o detractores de Almodóvar. Lo cual queda al margen si pensamos que cuanto menos, barajar géneros siendo fiel a uno mismo no es nada fácil.

The artist (2011), Michel Hazanavicius

2011-12-22T12:44:00.002+01:00

The artist es una película que parece haberse encontrado en el almacén de alguna filmoteca y que extraviada durante décadas por fin ha visto la luz. Esta podría ser una explicación lógica al hecho de que en la segunda década del s.XXI, en plena era digital y apogeo del 3D, un grupo de idealistas pueda sacar adelante un proyecto tan arriesgado como este. Porque filmar una película en blanco y negro, muda, siguiendo los patrones narrativos del cine clásico mudo y hacer que funcione en las grandes pantallas de todo el mundo, no es tarea fácil. The artist es una película que, aunque ha utilizado medios digitales, a los ojos del espectador podría pasar perfectamente por una película de los años 20 o 30.

El realizador Michel Hazanavicius rinde con esta película un homenaje al cine en mayúsculas. En sus imágenes podemos ver el sello de los grandes cineastas europeos de la época, como Murnau o Fritz Lang, así como un profundo estudio de los melodramas del Hollywood de los felices años 20. Homenaje expreso a Ciudadano Kane (Orson Welles), tomando uno de sus planos iconográficos, también es ineludible relacionarla con Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen, 1952) o El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950). Su temática es común: el drama vivido por algunas grandes estrellas del cine mudo que no se les dio la oportunidad o no se supieron adaptar, al cine sonoro.

De ese momento de cambio e incertidumbre en la historia del cine, surge la pareja protagonista. Un excelente Jean Dujardin (premio al mejor actor en Cannes) llena la pantalla interpretando a una gran estrella del cine mudo que bien podría identificarse con el mítico actor Douglas Fairbanks. Un personaje que pierde el tren del sonoro cuando se encuentra en lo más alto, en pleno culto a su personalidad. Todo lo contrario a su pareja protagonista, interpretada notablemente por Bérénice Bejo, una actriz emergente que encuentra en el sonoro su lanzamiento a la fama. A través de la complicada relación entre ambos observamos como entre los actores fluye una química y complicidad que consiguen, junto a unos intérpretes secundarios a la altura (John Goodman y Cromwell) y una magnífica banda sonora, que la cinta sea redonda.

Lo cierto es que The artist es una película que entretiene y por momentos eriza la piel. Una película en la que se homenajean grandes películas de la historia del cine. El amante del cine asistirá a su proyección atrapado en una butaca de la que deseará no levantarse.

Resonancias (XVII)

2011-12-21T12:07:00.014+01:00

En Un americano en París (1951), Vicente Minnelli rinde homenaje a las obras de grandes pintores como Renoir, Rousseau, Toulus-Lautrec o Van Gogh. Toda la película es como un gran lienzo en el que destacaría principalmente la referencia a Lautrec.

Los pasos dobles (2011), Isaki Lacuesta

2011-12-15T23:02:00.003+01:00

Los pasos dobles es una película de ficción con elementos de documental, arriesgada y difícil de clasificar. El proyecto nace a raíz de la fijación del cineasta Isaki Lacuesta por el trabajo del pintor Miquel Barceló y la inquietud por filmarlo en su taller de Mali. De las conversaciones con el pintor español surge la idea de crear una ficción en torno a la figura del escritor y pintor francés François Augiéras (1925-1971), del cual se dice que realizó una serie de frescos en un búnker que quedó sepultado bajo la arena del desierto en algún lugar del país Dogón.

Además, Los pasos dobles se completa con un documental, cuyo título, Pasodoble, hace referencia a la performance que realizaron Barceló y el coreógrafo Josef Nadj en Mali. Aunque se trata de un documental con trazos de autor (como todo lo que hace Lacuesta), su lenguaje es mucho más convencional que el de Los pasos dobles, cuyo éxito en el Festival de San Sebastián de este año ha sido muy cuestionado. A pesar de las críticas que ha recibido el realizador catalán tras hacerse con la Concha de Oro, lo cierto es que su trabajo se encuentra en la vanguardia del cine español actual, no sólo por su innovación, sino por su calidad.

En Los pasos dobles observamos una dualidad existente en la mayor parte de la filmografía de Lacuesta. Tanto en Cravan vs Cravan (2002) como en La leyenda del tiempo (2006) los protagonistas comparten un camino común con el personaje legendario al que admiran y pretenden acercarse. De esta forma las figuras de unos y otros acaban yuxtaponiéndose y dialogando, casi fusionándose. Lo mismo sucede en Los pasos dobles entre Miquel Barceló y François Augiéras.

Lacuesta da vida al escritor y pintor francés en la figura de un hombre no europeo, autóctono de las tierras en las que se supone se encuentra el búnker. De esta manera, el director de Los condenados (2009), emplea una de las cualidades de aquello legendario que pervive en la memoria de los pueblos, que puede reencarnarse de distintas formas en función del quién lo cuenta, en función de quién lo sienta propio. Y para contar esta historia, este personaje anónimo vivirá los acontecimientos que Augiéras vivió en la vida real, tomando incluso su nombre.

Y es que Lacuesta no sólo se refiere a las leyendas africanas, al arraigo de lo mítico y del ritual en su cultura. El realizador catalán hace un collage añadiendo además nuestros mitos occidentales, que al fin y al cabo han dejado una marca infranqueable en los pueblos africanos a raíz de la colonización. De ahí que no le importe crear una escena con bandoleros africanos en moto, con sombrero y pañuelo sobre sus rostros, asaltando carretas y coches como si fueran vaqueros asaltando una diligencia, proponiendo acertijos a aquéllos que piden se les ceda el paso. De ahí la genial banda sonora que acompaña el film y refuerza su espíritu aventurero, con melodía e instrumentalización propia del más puro “spaguetti western”, género del que por otra parte, Augiéras se confesó admirador.

En definitiva, Los pasos dobles apuesta por un cine de factura limpia y carácter renovador y abierto. Un cine fuera de la ficción o el documental convencional sobre África, el cual conlleva a menudo un carácter de denuncia. Aunque la película deja muchas ramas abiertas, también se desmarca de la visión antropológica a lo Jean Rouch. Porque Lacuesta crea su propio estilo. Al fin y al cabo, como en el resto de su filmografía, su cometido es abrirnos no solo un camino hacia sus personajes y leyendas, sino también hacia nosotros mismos.

Un método peligroso (2011), David Cronenberg

2011-12-09T10:58:00.003+01:00

Un método peligroso es una película sin artificios, muy bien narrada y con un elenco actoral muy sólido. El personaje principal del film, Sabina Spielrein (Keira Knightley), articula toda la película. Tratada primero por el doctor Carl Jung (Michael Fassbender) y posteriormente por el doctor Sigmund Freud (Viggo Mortensen), el film nos muestra las relaciones entre estos tres personajes históricos, a través del desarrollo de su enfermedad. La Europa precedente a la Primera Guerra Mundial aparece retratada como telón de fondo.

No es extraño que David Cronenberg haya realizado una película sobre las relaciones entre los padres del psicoanálisis. En su filmografía encontramos un interés por los rincones oscuros y las pulsiones incontrolables que esconde la mente humana. Su cine se acerca inevitablemente a lo “siniestro”, lo cual nos remite sin duda al cuento de E.T.A. Hoffmann El hombre de arena y como no, al propio Sigmund Freud.

Con Un método peligroso Cronenberg cierra un ciclo psicoanalizando la mente humana, acercándose esta vez a los precursores del psicoanálisis. En Spider (2002) traza un viaje hacia la mente de un enfermo mental que intenta reconstruir su pasado, mientras que en Crash (1996) muestra las pulsiones ocultas de un grupo de personas que se excita con los accidentes de automóviles, reflexionando además sobre el término kantiano de lo “sublime”. Aunque probablemente sea Inseparables (1998), la más cercana a Un método peligroso. En ambas cintas aparecen los ecos de Buñuel y su Belle de jour (1967) en la búsqueda de la humillación como fuente de excitación que experimenta la protagonista. Además, Inseparables también se estructura en torno a una mujer y su relación con dos doctores, en este caso dos gemelos ginecólogos interpretados por un siempre notable Jeremy Irons.

Según Freud lo “siniestro” es aquello que permanece en el interior de cada uno desde hace mucho tiempo. Algo desagradable sucedido, un impulso oscuro contenido, una angustia que contrae algún tipo de trauma que el propio psicoanálisis puede lograr sacar a luz. Y todo ello suena, y mucho, no solo a Cronenberg sino también a David Lynch.

Un método peligroso, deja entrever otra evidencia, la evolución definitiva de su realizador hacia caminos más depurados. Algo que se ha visto plasmado sobre todo en la última década. Y se agradece, porque ésta es una película limpia, sin giros ni virtuosismos, pero de factura impecable. Por eso algunos ya cruzamos los dedos para que siga adelante el proyecto de la segunda parte de su magistral Promesas del este (2007).

Melancholia (2011), Lars Von Trier

2011-12-01T21:49:00.006+01:00

Está claro que Lars Von Trier es el director de las polémicas. La cuestionada ética moral de Los idiotas (1998); el alboroto y escándalo de cierto sector ante las imágenes de Anticristo (2009); la controversia generada por Melancholia (2011) tanto en el público como en la crítica, obra maestra para algunos, una tomadura de pelo para otros. Pero sobre todo la mala fortuna de las declaraciones de este creativo e inteligente cineasta danés que llegaron al clímax de su infortunio cuando durante el pasado Festival de Cannes afirmó entender a Hitler. La cara de Krinsten Dunst a su lado en la rueda de prensa era un poema. Parecía querer desaparecer de la tierra mientras escuchaba como Von Trier iba metiéndose cada vez en un berenjenal más grande.

Declaraciones a parte, Melancholia es una película en algunos aspectos muy destacable, en otros un tanto nimia e ingenua. Su visionado me produjo algo parecido al de El árbol de la vida (2011) de Terrence Mallick. Aunque debo decir que ésta última dejando al margen su ejercicio de pedantería y su cierto tinte republicano, me pareció mejor película. Sin embargo, en su totalidad me dejó un tanto contrariado, sus imágenes me persiguieron durante días, consiguiendo que días después del visionado me agradara más. Y así me ha sucedido en cierta forma con Melancholia. Algunas escenas se quedaron retenidas en mi retina, sin embargo por lo general el film me dejó un tanto frío.

La primera parte –titulada “Justine”-, está rodada cámara al hombro, evitando ciertos convencionalismos. Hace una presentación clara y exitosa de los personajes y pone sobre la mesa más sus puntos débiles que sus destrezas. De tal manera que a través del movimiento nervioso de la cámara, va aflorando el lado oscuro de la ceremonia. Aparecen las discusiones y las críticas de aquéllos que consideran el fatuo y la apariencia que se exhibe en la celebración, como absolutamente banal e innecesaria. Así aparece la sátira, y se desenmascaran de forma sutil vivencias de un pasado familiar truncado por la separación de los padres de las dos protagonistas. Claire (Charlotte Gainsbourg), cuadriculada y menos arraigada al nido familiar; Justine, (Kirsten Dunst) imprevisible y con graves problemas depresivos.

En este primer tramo de metraje Lars Von Trier muestra una herencia innegable de Festen (Celebración, 1998), de su colega y cofundador del Dogma, Thomas Vinterberg. Sólo que en Festen, se desvela el pastel de una forma más violenta, con una tensión abrumadora. En este caso el ambiente se embrutece pero deja cierto espacio a la ironía, aún teniendo en cuenta el enfrentamiento de Justine con su jefe y la separación que ella misma provoca y que en realidad en ningún momento se nos hace saber muy bien por qué se produce. Pero que en conclusión, realiza una crítica sobre los valores y las costumbres burguesas, a la par que ahonda en las relaciones interpersonales de corte familiar.

Sin embargo, la segunda parte del metraje -titulada “Claire”- poco tiene que ver con la anterior. En este momento se desarrolla un elemento de la trama que se nos había presentado de forma muy sutil, la aparición de un planeta llamado Melancholia que amenaza con colisionar con la Tierra. Éste no es otra cosa que la metáfora o mejor, la imagen de Justine. Simboliza su poder destructivo, su mentalidad desposeída de vitalidad, de sumisión ante el desarrollo de una vida que le parece absurda e insípida. Cuán es la destructividad de Lars Von Trier (que años antes pasó por una grave depresión) que decide incrementar ese instinto autodestructivo derivando en la destrucción de toda forma de vida. Mientras Claire sufre de forma desmesurada ante lo que se avecina, Justine se muestra tranquila y apacible. Si en la primera parte del film los interiores suntuosos del castillo donde se desarrolla la boda abarcaban mayoritariamente el protagonismo, ahora es el paisaje, cada vez más salvaje el protagonista. Un paisaje marcado por el contraste entre la racionalidad del campo de golf y lo abrupto del bosque. Un entorno romántico donde casa a la perfección la banda sonora de la película, Tristán e Isolda de Wagner. Lars Von Trier se empeña entonces en enfrentarnos a lo sublime, a esa fuerza de la naturaleza inabarcable que sin embargo resulta atrayente, atractiva, conmovedora. Cobrando, para ello, un tono mucho más poético y alejado del ajetreo de esa cámara al hombro y de las celebraciones burguesas llenas de apariencias y disputas.

Todo para que al final el resultado no acabe de cuajar. La metáfora parece demasiado para tan poco, y al fin, las imágenes y su poética no logran del todo su cometido, porque aunque muestren una gran agudeza visual no conmueven.

Digamos que Melancholia es la vuelta al lado más melodramático de Von Trier, que en otras ocasiones había aflorado de forma excelente, como en Rompiendo las olas (1996) o Bailar en la oscuridad (2000), así como en la espléndida y renovadora Dogville (2003). Sin embargo se queda en un pastiche que no acaba de ensamblar. No es ni lo peor ni lo mejor del cineasta danés, pero no olvidemos que es difícil no encontrar estilismos y rasgos de gran valor en su cine. Digamos que simplemente es Lars Von Trier.

La mirada de Ulises (1995), Theo Angelopoulos

2011-11-18T19:34:00.010+01:00

La pureza del plano secuencia.

La mirada de Ulises es una de esas películas que más me han marcado. Después de volver a verla, he recordado algunos sentimientos que sentí cuando la vi por primera vez, hará unos doce años. Esta película me provocó un efecto muy positivo, ya que aumentó mis ganas de conocer nuevos cines, de abrir mi mirada más allá de las carteleras y la parrilla televisiva, hacia un cine de autor.

Una de las razones por las que Angelopoulos es uno de los grandes maestros del cine europeo, es porque tiene un estilo muy personal y claramente reconocible. Estilismo que se deja ver por ejemplo a través de sus largos, estructurados y bellísimos planos secuencia, algunos de ellos memorables, tanto en esta película como en obras tan magníficas como La eternidad y un día (1998) o Paisaje en la niebla (1988).

Aunque en La mirada de Ulises hay diversos planos secuencia de gran fuerza narrativa y visual, el plano secuencia que inicia la película resulta una lección de cine.

A la cita de Platón “Y el alma, si debe conocerse a sí misma, tiene que observar el alma”, la siguen unas imágenes de una película griega de 1905, Tejedoras en Avdella, mientras la voz en off nos habla sobre la existencia de la que podría ser la primera película los hermanos Manakis, la primera en Grecia y los Balcanes. A continuación, comienza el plano secuencia en blanco y negro tomando la panorámica de un puerto griego. El cine se mira a sí mismo mostrándonos al que entendemos es uno de los hermanos Manakis. Mientras éste toma imágenes de un velero que se acerca al puerto, aparece junto a él otro hombre, mayor pero más joven, la siguiente generación que aprendió el oficio y que nos introduce en el tema en torno al cual va a girar la trama de la película: la búsqueda de tres bobinas inéditas de los hermanos Manakis. La imagen pasa a color y el primer personaje muere, apareciendo entonces el director de cine greco americano al que encarna magistralmente Harvey Keitel, representando a una tercera generación. Ante nuestros ojos, en apenas unos segundos, un siglo de historia. La mirada del cine primigenio se mezcla con la del cine actual, ambos personajes ante una misma imagen, la de un velero que a su vez simboliza el viaje que está a punto de emprender el protagonista.

Miradas doc 2011

2011-11-02T19:23:00.007+01:00

Un día en el festival Internacional de Cine Documental de Guía de Isora

El pasado martes 1 de noviembre el Festival siguió la programación propia de un día festivo, realizándose proyecciones durante todo el día (desde las 11h) y dando protagonismo a algunas de las estrellas invitadas mediante una mesa redonda.

Como ha venido siendo habitual a lo largo de los seis años de edad del festival, en esta edición son muy diversas y de gran interés cada una de sus secciones, del tal forma que estos días se programan ciclos de cine documental chino, colombiano e irakí, un homenaje a José Luís Guerín y una muestra de la España Underground. Todo ello paralelamente a la muestra central de cine documental sobre el fútbol y las cintas elegidas a concurso.

Hula and Nathan (2010), ópera prima del israelí Robby Elmaliah, muestra esa vertiente del documental tan explorada en los últimos años. Así lo es un documental de autor que construye su lenguaje sin responder necesariamente a los cánones tradicionales. Filmado de una forma aparentemente natural y cotidiana, muestra las vidas de dos carismáticos personajes israelíes que viven en territorio fronterizo y se buscan la vida recogiendo y arreglando chatarra. En un terreno del que van a ser desahuciados, sobreviven como pueden a sus propias desgracias y a alguna que otra bomba mal dirigida por el ejército de Israel en sus bombardeos en la franja de Gaza.

Casi con un lenguaje opuesto pero con el mismo interés se desarrolla Villa El Salvador (2011), de la española Carola Rodríguez. La película, muy bien narrada, siguiendo una estructura tradicional del relato documental y una serie de recursos que consiguen tocar la fibra sensible del espectador, narra la historia de la creación en los años setenta de la ciudad peruana de Villa El Salvador, la cual ha pasado a ser hoy un suburbio de Lima. Sus protagonistas explican cómo fue posible levantar una ciudad en pleno desierto, reivindicando desde la absoluta pobreza el derecho a tener una vida digna y por lo tanto una casa propia, una educación, sanidad pública o algo que hoy día parece tan simple como el acceso al agua potable. Todo partiendo de otra premisa, la igualdad de género y la alfabetización del hombre, pero también de la mujer. Una lucha emprendida desde cada rincón de la ciudad y dirigida principalmente a través de la voz revolucionaria de María Elena Moyano. Una figura emblema de la lucha por los derechos de las mujeres en Suramérica, después de haber sido asesinada vilmente por defender sus ideales. Y es que ésta y otras muchas mujeres consiguen a lo largo del documental que a uno se le erice la piel. Lo mismo sucede cuando uno se da cuenta como también el hecho de aunque narre un hecho acaecido unas décadas atrás, resulta de rigurosa actualidad en el sentido de que mediante la cooperación y la solidaridad es posible cambiar las cosas y por ende crear un entorno mejor.

El cortometraje polaco Thats life (2010), de Daniel Zieliński nos presenta una situación de dependencia entre una anciana en el último aliento de vida y su hijo. Con una sensibilidad abrumadora y una fotografía en blanco y negro muy cuidada transmite los sentimientos enfrentados que siente el protagonista y los lazos que le acercan a la vez que lo separan del resto de sus familiares.

Menos lejos llega el largometraje de la realizadora catalana Meritxell Soler y Julián Vázquez Cine al fin (2011) en su reflexión en torno a la desaparición de las salas de cine de barrio. A pesar de que en el último tramo del metraje se suceden imágenes de gran belleza, se persigue un tono poético que no se llega a alcanzar y que no termina de casar con la primera parte del film.

Black diamond (2010) por su parte, aúna dos de los elementos principales de este Miradas doc: La temática principal del festival en esta edición en torno al fútbol, así como que una mirada hacia constante hacia África que se repite año tras año. Este film del francés Pascale Lamche desgrana inteligentemente el funcionamiento del tráfico de jóvenes africanos (en su mayoría niños) escondido tras la máscara del fútbol. Una tela de araña que se teje en torno a la ilusión de millones de niños de llegar a ser un Samuel Eto’o o un Didier Drogba, para así sacar a sus familias de la pobreza. Una tela de araña que no deja de crecer y que no es otra cosa que una nueva trata de esclavos. Un oscuro negocio que como el de las pateras se cobra vidas y hunde económicamente (más si cabe) a familias enteras.

Quizás lo menos certero, o al menos lo menos interesante, fue la mesa redonda sobre la situación del fútbol mundial en la que se habló mucho sobre cómo uno se hace forofo y poco de temas sociales. Sólo salvada por las anécdotas del escritor uruguayo Eduardo Galeano y la simpatía de Michael Robinson.

Miradas Doc continúa hasta el próximo sábado. Así que aquellos que puedan, no se lo pierdan.

Mientras duermes (2011), Jaume Balagueró

2011-10-18T18:22:00.011+02:00

A pesar de no ser una gran película, Mientras duermes confirma dos cosas. La primera, la capacidad del cine español para crear un cine de género que aúna calidad y entretenimiento, o lo que es lo mismo, éxito de taquilla. La segunda, la reafirmación de un realizador que se mantiene a la cabeza del cine de terror nacional como es el catalán Jaume Balagueró.

Tomando no pocas referencias de La comunidad (Álex de la Iglesia, 2000), Balagueró se vuelve a meter en un edificio céntrico de Barcelona donde rueda casi íntegramente la película, a excepción de un par de planos, como hizo en Rec. Sin embargo, Balagueró abandona en esta ocasión el terror y lo fantástico para crear un thriller de corte realista. Tanto en sus anteriores Darkness (2002), Frágiles (2005) y la saga Rec (2007 y 2009), como su notable primer largometraje Los sin nombre (1999), se muestra una atracción por lo sobrenatural, por aquello intangible que va más allá de la razón humana y nos sume en el terror absoluto. Mientras duermes abandona ese terror irracional y nos sumerge en una atmósfera cotidiana, perturbadora, en la que en ocasiones casi estamos de parte de una persona cuyo sadismo y crueldad son infinitos. No nos olvidemos del gusto de este realizador por los personajes y situaciones de terror y sadismo casi gratuito.

El siempre más que solvente Luís Tosar carga en sus espaldas el peso fundamental de la película, que con la ayuda de Marta Etura conforma un aparato interpretativo sólido y creíble que forma el tándem perfecto con la cadencia y ritmo de la película. Lo cual a medida que avanza el metraje se va generando una atmósfera agobiante de esas con las que bien disfruta dando forma Balagueró y que tan bien sabe crear.

Aunque aparecen a lo largo del metraje algunos tópicos e incluso situaciones un tanto forzadas, no olvidemos que estamos viendo cine de género, un cine que no tiene nada que envidiar a la mayor parte de la parrilla cinematográfica procedente del otro lado del charco que invade nuestros cines.

Cine y comercio

2011-05-27T20:49:00.003+02:00

Cine forum "el comercio en el cine" en el Museo de Antropología e Historia de Tenerife

Con motivo de la celebración del proyecto cultural El museo en el escaparate, cuyo principal objetivo se centra en superar la tradicional escisión entre la actividad comercial y la función social de los museos como esferas contrapuestas en la vida social, lanzamos una reflexión sobre el acercamiento del cine al comercio desde su vertiente artística, analizando a través de este cine fórum la relevancia del mundo comercial en algunas obras cinematográficas.

Lo cierto es que a lo largo de la historia del cine, en ocasiones el lugar o emplazamiento donde se desarrolla la actividad comercial pasa a tener un rol muy importante en la trama, tanto que puede llegar a tener la relevancia de un personaje más.

El cineasta hongkonés Wong Kar Wai, acostumbra a dotar de una importancia reveladora algunos de los locales de comida o cafeterias que aparecen en sus películas. Tanto en Chunking Express (1994) como en My Blueberry Nights (2007), los locales que aparecen no sólo son el escenario donde transcurre la mayor parte del film, sino que además funcionan como una extensión de los propios personajes. Al igual que no menos importante es la cafetería regentada por Viggo Mortensen en Una historia de violencia (David Cronenberg, 2005), donde se da el suceso que revela los secretos del protagonista de la película.

Estos establecimientos cuya importancia dramática es indiscutible y que son reflejo de la forma de vida de los personajes que los regentan, son del mismo modo equiparables a la tienda de ultramarinos de El señor Ibrahim y las flores del Corán (F. Dupeyron, 2003), el bar de Lolo en Tapas (Cruz y Corbacho, 2005), la tienda de lencería de El abrazo partido (Burman, 2003), la tienda fotográfica de Navidad en agosto (Hur Jin-Ho, 1998), el videoclub de Rebobine, por favor (Gondry, 2008), el estanco de tabacos de Smoke (Waine Wang, 1995), la ebanistería de Mi pequeño negocio (Jolivet, 2000), la peluquería de Caramel (Labaki, 2007) o la entrañable tienda de chocolates de Chocolat (Lasse hällstrom, 2000). Lugares que constituyen el eje que vertebra el conjunto del film y revelan los sentimientos y la forma de ser de los personajes como lo haría un gesto o una mirada.

Sin embargo, no todo son pequeños negocios. El cine de comedia principalmente, como el de terror (no olvidemos los grandes almacenes donde se desarrolla Zombie, de George A. Romero), también se ha ocupado de las grandes superficies. Los gags alocados de los hermanos Marx en los grandes almacenes de Tienda de locos (1941), sirvieron de inspiración a Jerry Lewis en su alocada Lío en los grandes almacenes (1963). Un relevo que toman entre otros en el cine contemporáneo el Kevin Smith de Clerks (1994) y Mallrats (1996) o el Álex de la iglesia de Crimen ferpecto (2004), convirtiendo las grandes superficies comerciales en lugares donde es posible que sucedan las más alocadas situaciones.

Little alien (2010), Nina Kusturica

2011-05-02T18:11:00.002+02:00

Little alien, es uno de esos documentales necesarios que te traen de vuelta a la crudeza del mundo en el que vivimos y te hace tocar de pies a tierra. Una pasarela de casos de distintos jóvenes inmigrantes procedentes de diversas partes del mundo, de una serie de vidas truncadas por el sufrimiento y la búsqueda de una existencia mejor.

Winterbottom nos enseñaba con crudeza en In this world (2002) el duro periplo que pasan unos jóvenes refugiados afganos que intentan llegar a occidente escapando del panorama desolador que vive su país. Como ellos, algunos de los protagonistas del documental de Nina Kusturica, recorrieron infinidad de kilómetros escondidos debajo de camiones camino a occidente. Estos trayectos jugándose la vida pueden durar días, por no hablar del riesgo que se corre al cruzar las fronteras. “Cuando llegas a la frontera de Irán te enseñan unas cuantas orejas cortadas y te piden unos 10 mil o 15 mil dólares diciéndote, o pagas o te hacemos lo mismo”. “Te matan”, cuenta un joven en una escena del documental.

Little alien se abre con una secuencia desgarradora y llena de significado. Kusturica filma un puesto de vigilancia eslovaca en la frontera con Ucrania. Allí un agente de inmigración muestra el absoluto control que tienen de la frontera utilizando un complejo sistema de cámaras nocturnas que les permite anticiparse a los movimientos de los inmigrantes que sin esperárselo son repentinamente detenidos. Mientras escuchamos al agente alardeando de la efectividad de su trabajo, observamos imágenes oscuras, en penumbra, donde apenas se aprecia la acción del acto de detención de un grupo de inmigrantes, aunque somos conscientes en el fondo de que están sucediendo. Kusturica nos indica que es así como sucede en nuestro día a día, a oscuras, sin que nos demos prácticamente cuenta y sin que nos interese lo más mínimo el trato lamentable que viven estas personas, en sus países y en los nuestros.

Otro de los momentos más destacados del film y que por desgracia nos atañe mayormente si cabe a los españoles, es la secuencia que transcurre en la frontera entre España y Marruecos en Melilla. “Los soldados marroquíes son los sicarios de Europa, Europa financia esto”, dice un especialista. Se refiere al sistema de seguridad compuesto por tres vallas de seis metros de altitud flanqueadas por un soldado marroquí cada 50 metros. Nos explica que los soldados disparan sin remordimientos a quien intente rebasar la barrera. Si con suerte una persona sortea las balas, tras subir 6 metros de valla, cae sobre un colchón de alambres que en ocasiones le proporciona heridas tan sumamente graves como la pérdida de vísceras. Si continúa en pie, debe subir otra valla de 6 metros y caer al suelo nuevamente desde esa altura para sufrir el ataque de gases tóxicos. De seguir, vuelve a escalar otra valla de 6 metros y tras volver a caer debe sortear flashes tan potentes que podrían causarle ceguera. Aunque de todas maneras sería imposible consagrar el milagro, porque de llegar al otro lado, la guardia civil española lo estaría esperando.

El principal mérito de Little alien es que nos ofrece la oportunidad de conocer el testimonio real de diversos menores, el drama de la inmigración en su cara más amarga, la de los niños. De tal manera que es imposible mantenerse indiferente ante el posicionamiento que toma Europa y todo el primer mundo ante tales situaciones. No duden en pronunciarse y contribuir a que este tipo de cine se difunda y consagre su función crítica y de denuncia. Pueden visionarlo hasta finales de mes en el Primer Festival de Cine Europeo Invisible, Online.

Dispongo de barcos (2011), Juan Cavestany

2011-04-18T19:10:00.006+02:00

Dispongo de barcos (2011), de Juan Cavestany es una película atípica para los circuitos comerciales del cine español. Como lo son aquellos títulos que podríamos tildar de “invisibles” y que componen el Primer Festival de Cine Europeo de Cine Invisible Online. Una apuesta renovadora y necesaria en la situación actual del cine, más unido a internet que a las salas. Una iniciativa que propone el visionado gratuito de todas las películas del festival a la vez que promociona el visionado online a través de Filmotech.

Dispongo de barcos nos presenta a cuatro personajes (interpretados por Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Diego París y Andrés Lima) sobre los que por no conocer, no conocemos ni sus nombres, sobre los que únicamente se nos muestran las más extravagantes facetas de su carácter. Filmada cámara en mano, con una pequeña cámara digital que se evade de la búsqueda de la exquisitez en el plano. Así practica la variedad de encuadres y los contrastes lumínicos como rasgos de naturalidad absoluta en la escena, situando a sus personajes en una ciudad casi anónima de la que sólo vemos su lado más gris y deteriorado. Edificios en obras, descampados, naves industriales… espacios tan decadentes como son los propios personajes que los habitan.

Y es que la película de Cavestany estando pintada de comedia surrealista, cubre varias capas que hacen referencia entre otras cosas al drama laboral y la exclusión social, e incluso, por los derroteros que atraviesa la acción, al cine de atracos. Esto es, que esos personajes que se mueven entre lo surrealista y lo cómico, bien podrían proceder de películas de extrovertido carácter social, como Los lunes al sol (Fernando León de Aranoa, 2002). Se trata de personas sin trabajo que se encuentran en el linde de la exclusión social, en este caso con claras disfunciones mentales (como decíamos, siempre enfocadas desde un punto de vista cómico y surreal) generadas por un sistema capitalista cruel, impasible y caníbal. De ahí que uno de ellos no se decida a si utilizar la catedral de la Almudena para prepararle una fiesta a su hermano o a hacerse cura; otro escuche conversaciones fantasmales a través de las paredes de su casa; un tercero se aferre vehementemente a un maletín cuyos documentos quiere sellar de forma imperativa y absurda y un cuarto practique la necrofilia.

El hecho de que los personajes no tengan nombre y se conozcan a sí mismos como el del bigote (del que al menos sabemos que es el hermano del cabecilla) o el de la barba con el maletín y se decidan a cometer un atraco, nos lleva a reconocer un guiño humorístico a Reservoir dogs (Quentin Tarantino, 1992). El señor rosa se sustituye por el hombre de la camisa rosada y así con el resto de los personajes. La memorable escena en la que los cuatro personajes de Dispongo de barcos se sientan entorno a una mesa a debatir como van a dar el golpe manteniendo una serie de “anti-diálogos” tan hilarantes como surrealistas, son muestra del guiño paródico tanto a la película de Tarantino como al género en general.

Cavestany conforma una película renovadora que se postula como una de las más atractivas de las presentadas en este festival de cine online, entre las que destacan títulos como Todos vós sodes capitáns (Oliver Laxe), Cartas a dios (Éric-Emmanuel Schmittz), Dinero fácil (Daniel Espinosa), La vida útil (Federico Veiroj) o Draquila (Sabina Guzzanti).

Todo a un solo click. Pasen, vean y sean partícipes ustedes mismos del premio del jurado.